Randy Rhoads

进入上个世纪八十年代后，最有影响力的重金属吉他手非Eddie Van Halen莫数。正当无数的吉他手不亦乐乎地疯狂模仿Van Halen的双手点弦的技巧时，Ozzy Osbourne乐队的吉他手Randy Rhoads却始终坚持走着自己的道路，创造出自己的风格。他是第一位将古典音乐融入到演奏中的重金属吉他手（这种风格后来被另一位吉他快手Yngwie Malmsteen所沿袭）。尽管Rhoads只出了寥寥几张专辑，但这已足以证明他在摇滚吉他上的成就，他在1982年悲剧性的去世，也为这位年轻的吉他大师蒙上了一层传奇的色彩。

Randy Rhoads于1956年12月6日出生在加利佛尼亚。他的母亲是个学校的音乐教师，在家庭的音乐气氛影响下，Randy在10岁前就已经开始学习吉他。少年时期的Randy对重摇滚音乐产生了浓厚的兴趣，Mountain，Led Zeppelin和Alice Cooper这些乐队那种前所未有的音色深深地吸引着他，也使他学习吉他的方向产生的改变。在参加了几支校园乐队之后，Randy与一名歌手Kevin DuBrow组建了他们自己的乐队Quiet Riot（宁静的暴乱）。很快的，Quiet Riot便成为了当地很有名气的一支地下乐队，他们在洛杉矶各个俱乐部演出受欢迎的程度与当时未出名的Van Halen乐队不相上下，尽管那时在日落大道上占主流地位的音乐形式是新浪潮和朋克。

由于乐队保证不了在美国市场出唱片的效益，只好在日本发行了两张专辑 - 1978年的"Quiet Riot I"和79年的"Quiet Riot II"，唱片的成绩很不理想，几乎没有多少人知道（直到Randy去世十年之后，这两张唱片才被重新发行）。看到自己的乐队不会再有什么前途，Randy便开始寻求其他的发展。当他得知前Black Sabbath的主唱Ozzy Osbourne的个人乐队Blizzard正在招聘吉他手时，决定前去一试。据说Ozzy刚一见到Randy，竟然连一个音符也没有让他弹就雇佣了他，因为他"看上去就象是乐队的一部分"。由此Randy便成为了Ozzy Osbourne乐队的吉他手。

1980年，Osbourne乐队的第一张专辑"Blizzard of Oz"发行，这是一张伟大的重金属专辑，它的成功很大一部分要归功于Randy，甚至可以说Randy的吉他决定了Ozzy的音乐路线，他的揉合了古典吉他技巧和音阶的演奏为摇滚吉他在八十年代树立了一块里程碑。但他不仅仅是个华丽的演奏者，他的天赋还表现在对歌曲的吉他部分的写作和编配上。专辑中的"I Don't Know"，"Crazy Train"，"Suicide Solution"和"Mr. Crowley"都可算的上是金属音乐中的一流作品。在经过一年的巡演之后，他们的第二张专辑"Diary of a Madman"又紧跟着发行了。虽然在每次采访中Randy都要对自己在这张专辑中的表现表示不满意（因为时间太仓促），但对乐迷来说，他在六根弦上的功夫仍是令人惊骇。他也因此专辑而被"Guitar Player"（吉他手）杂志评为最佳新秀奖。对一个吉他手来说，这项奖本应标志着一个辉煌的开始，然而这却成了Randy音乐生涯的结束。

爱冒险的性格葬送了Randy的生命，也葬送了他与生俱来的吉他天赋。1982年3月20日，Randy在驾驶飞机时因事故机毁人亡，给摇滚音乐又留下了一个早亡的英雄形象。当时原本要发行的一张Ozzy Osbourne乐队现场专辑的计划被停止了，直到87年，这张专辑才面市，名为"Tribute"（纪念），它在Randy去世5年之后，再次向大家展示了这位年轻的吉他大师所拥有的有魔力一般的技术和潜能。Jackson吉他厂也生产了以"Randy Rhoads"命名的吉他系列，让更多的吉他爱好者记住这位为摇滚吉他的发展作出了贡献的人。

摇滚乐充满了悲剧。不过即使Randy没有死的话，也很难以想象他和Ozzy Osbourne能够再超越前两张专辑的成就，因为它们太优秀了。也许对Randy来说，他的句号是完美的。

当我的手中没有吉它的时候.我总是不知所措,当我抱着一把吉它,哪怕是胡乱拨弄时,我也会感到心中非常地平静,用不着太大的声音,只要轻轻的,听的人就会感到愉悦,这就是吉它的伟大.------Randy Rhoads

The Edge

象Chuck Berry, Jimi Hendrix, Eddie Van Halen和其他有价值的吉他手一样，Edge改变了我们对摇滚吉他的理解。上个世纪80年代中期，Edge开始在摇滚舞台上闪亮。当他的乐队U2以他们激进有力的歌曲在全球引起反响的时候，以"Edge"为标志的吉他声音 - 一种大气的、带有金属色泽的和弦、泛音、回声、滑音、回馈及其他效果 - 也在吉他演奏领域造成了一股冲击波，在当时的音乐类杂志中的招生或求职广告中充满着这类字眼"吉他手，U2风格"。

虽然Edge的演奏没有Hendrix式的幻想，没有Berry那样世故，也没有Van Halen那样双手灵活的技巧，但作为一个优秀的吉他手，Edge具有和他们一样特性，那就是能运用想象，将自己的演奏转换成独特的、唯一的音色和风格。"什么是最大的挑战？"在1985年的一次采访中，Edge说，"就是打破教科书的规则和老一套的说法。假如我现在手里有把吉他，我会去想我怎样才能在这上面作出前人没有作到过的事情。" Edge原名David Evans，1961年出生在威尔士，在爱尔兰的都柏林长大。他从小学习钢琴，13岁的时候得到了一把吉他，但他一直没有很重视这门乐器，直到和他的三个校友Bono Hewson，Adam Clayton，Larry Mullen决定组建一只车库乐队。"70年代中期的很多音乐给我们了很多启发，" Edge说，"但我们中没有一个人曾经在乐队里呆过，我们那时甚至没有乐器和设备，但我们并不认为这是问题。当我们买了各自的乐器之后才遇到了问题，那就是我们如何才能学会弹奏它们。我们的灵感主要来自两只乐队：Patti Smith的乐队和Television，他们的音乐是那么的新鲜和不同，总是让我们兴奋和热情高涨。作为一名未来的乐队吉他手，我注意到这些乐队都有着和别人不同的很有特点的音色。所以当我们开始凑到一起排练时，虽然只会弹几个和弦，但有一点已经在我的思想里根深蒂固了：我们一定要做到和别人不一样。从那时起我们在不断提高音乐技艺的同时，也在不断摸索我们自己的独特音色。" 1981年，U2的首张专辑"Boy"发行，用Edge 的话讲，这是一张"记载着乐队不断探索的"专辑。制作人Steve Lillywhite从他们身上发掘出了不少奇异的思想，增强了乐队的独特的品质。专辑中的"I Will Follow"成为了U2冲击美国的第一只单曲。在歌中，Edge确立了他的经典风格 - 简单而生动的节奏似的主音旋律，并以开放弦铺垫了一种闪亮的底色。 "从一开始，我们的音乐就力求简洁，" Edge说，"我的solo都很短，不象其他的吉他手在舞台上那样演奏着大段的旋律solo。我喜欢使用和声，即使是在solo里，比如我在B弦上弹奏一些音的时候，要把E开放弦也一起弹奏，让开放弦的嗡嗡声衬底。这是一种很有意思的音色，有时候听起来象12弦吉他。我没有用失真，音色很干净。我对布鲁斯式的单弦上的solo不太感兴趣，那也不适合我们的音乐，因为它已经被其他许多人的所使用了，而且使得很出色。我在最早也那样弹过，大段的惊人的solo也许会给人留下很深的印象，但我后来考虑没有必要去重复别人已经作过的事情。因此，我把精力转移到作曲上和尝试如何将乐器发挥出全新的特性。" 乐队的第二张专辑"October"所获得的好评不多，但第三张专辑"War"将他们推上了成功的顶峰。象战斗号角一样的呼唤爱尔兰政治健全的歌曲"Sunday Bloody Sunday"席卷了美国电台。紧跟着是"New Year's Day"，一首反映波兰政治冲突的歌曲。1983年6月5日，乐队在Colorado 的Red Rocks举行了令人难忘的演唱会，后来被制作成为"Sunday Bloody Sunday"的MTV发行。年底，滚石杂志评选U2为年度最佳乐队，作为吉他手，Edge也达到了他最具影响力的时刻。

在成就和荣誉面前，Edge始终保持着谦虚的心态。他把自己的成功归结于一些吉他手的影响。"没有人会认为他们是吉他英雄，但我喜欢他们。拿Neil Young来说，他弹琴时注入了非常多的情感，但始终是来来回回的那么几个音，很简单，但却意味着很多。Tom Verlaine（Television乐队吉他手）也从来没弹奏过让人吃惊的solo，但我认为他的演奏对吉他音乐来说是一场革命。" Edge创作音乐最有效的手段是清空大脑，将自己所知道一切都排除出去。"每当我开始作一首歌的时候，我首先要做的就是忘记一切。把我手上和脑子里所能记得的任何其它歌曲或旋律都统统扔掉。我会试着这样去想'这是我第一次弹吉他，我应该怎样去做呢？'这样做的目的是为了将意识思维转到潜意识的层面，那里才是创造的精灵最活跃的地方。" "基本上，我不按照正规的方法弹吉他。"他接着说，"我尽量避免大三音程的出现，我喜欢在大调与小调之间找到一种含糊的和弦。我一般将和弦的音压缩到两个或三个，然后给他们加八度音。比如一个E和弦，我只弹B音和E音，包括E空弦。我不愿在指板上弹重复的东西，在这上面还有未被我开发到的领域，这就是为什么我还没有找到跟乐器合一的感觉，还没有让乐器成为我身体的一部分。" 为了求新，U2完全改变了他们1985年的专辑"The Unforgettable Fire"的制作风格，聘请了制作人Brian Eno和录音师Daniel Lanois来打造出电子合成与管弦乐编曲的混合。Edge说，"专辑中大部分音乐没有使用吉他，我更多地演奏键盘，演奏吉他也只是营造气氛而不是去领奏。"尽管没有突出吉他，Edge仍然在专辑的演奏上进行了创新。在"Wire"中，他将毛毡放置于靠近琴桥的弦上，再使用滑棒来弹奏，制造了一种"零延音"的音色。在专辑同名曲中，他创造了一种不寻常的调弦FADDGD。在"Pride"中，使用延时效果制造的回声音色作乐曲的背景。在一次采访中，Edge 称"Wire"和"Pride"是具有"Edge本色"的吉他曲。他当时还说，"在下一张专辑里，我还会作出更不一样的事情。" 从80年代末的"The Joshua Tree"和有着美国根源的"Rattle & Hum"到1991年的后现代欧洲味道的"Achtung Baby"，两年之后的带有舞曲风格的"Zooropa"，再到1997年摇滚与techno结合的"Pop"，不管音乐如何变化和再创新，不论财富如何扩大，U2乐队始终驻留在他们最开始的地方 - 爱尔兰。"对我们来说，"Edge说，"爱尔兰就象是一个暴风雨中的僻护所，乐队始终呆在这里是我们从不妥协和被拆散的主要原因。许多乐队转移到了伦敦或其他地方之后，就丢掉了自己的个性，结果就是散伙。一个成功的乐队需要有自己的根，一个能够永远呆下去的地方。"

George Harrison

George Harrison这位令人爱戴的吉他手和音乐家与"甲克虫"一起用他的音乐感染了无数的人，作为"甲克虫"乐队的主音吉他手，他写出了很多经典歌曲"While My Guitar Gently Weeps（当我的吉他温柔地哭泣）" 、"Taxman" 、"Something"、 "Here Comes The Sun"、 "Blue Jay Way"和"Within You, Without You"等等。

一生都沉默、内向的Harrison对甲克虫乐队来说不仅仅是一位吉他手，他虽然没有Lennon那样的领袖气质，但他深邃的思想是影响甲克虫们走向成熟的主要原因之一。Harrison对东方的神秘有着强烈的兴趣，正是他的这种兴趣，引领着甲克虫们于60年代中期来到了印度，从师于愈加修行大师，这不仅在精神信仰上深深的影响了乐队成员们，同时在音乐上也改变了他们。自1966年甲克虫的"Revolver"专辑中的歌曲"Love You To"和1967年"Sgt. Pepper"中的"Within You, Without You"出现之后，歌曲中所使用的印度的民间乐器西塔琴和手鼓开始引起了西方音乐家们的注意，越来越多的人学习演奏这些乐器并把它们加入到自己的音乐中。Harrison也许是第一个演奏西塔琴，并把它录制到摇滚音乐专辑的西方音乐家了，其实早在1965年的专辑"Rubber Soul"中他就已经开始尝试。

作为一个吉他手，Harrison从 Carl Perkins、Duane Eddy、Chet Atkins、Buddy Holly和 Eddie Cochran等一些人身上得到了很多灵感。但给他影响最大的是英国英国摇滚的先驱Lonnie Donegan，象当时许多其他英国年轻人一样，Harrison在听了Donegan的"Rock Island Line"之后，拿起了吉他，开始寻找自己的摇滚梦想。与其他人不同的是，Harrison在吉他上下了更多的苦工。在校友Paul McCartney的指点和鼓励下，Harrison在技术上进步很快，不久便精通了这门乐器。15岁时他被McCartney带入了与利物浦另外一个男孩John Lennon组成的乐队the Quarry Men。1960年，乐队更名为the Beatles，Harrison正式成为了主音吉他手。

在甲克虫早年的歌曲中，吉他节奏非常突出，Harrison的主音经常被淹没在Lennon的和弦之中。而且Lennon和McCartney的高产的创作，几乎没有给Harrison任何歌曲创作的机会。从1963年开始，乐队注意到了Harrison的创作天赋，"Don't Bother Me"成为他第一首被收录到专辑中的歌曲。1968年开始，Harrison进入了歌曲创作和吉他表现力的最佳状态，在甲克虫的最后几张专辑中，他展现了精妙的滑棒吉他演奏，并贡献出了几支经典歌曲，"While My Guitar Gently Weeps" 、 "Here Comes The Sun"，"Something"一歌还成为了他所写的第一首排行榜冠军歌曲。

Harrison为吉他音乐所作的另一个突出的成就是他将12弦电吉他的声音首次带给了世人，吉他制造商Rickenbacker所制造的世上第二把12弦电吉他就是一直被Harrison所拥有，他用这把吉他在专辑"Hard Day's Night"中的演奏，极大的影响了美国指弹风格吉他演奏家McGuinn和他的乐队Byrds。

甲克虫在1970年解散以后，Harrison是第一个获得英国排行榜单曲冠军的前甲克虫成员，他的第一张个人专辑"All Things Must Pass"中的"My Sweet Lord"在美国也获得了极大的成功。Harrison一直在运用自己的声望为摇滚和慈善事业作着贡献，他策划并举办了"孟加拉音乐会"，这也许是有史以来第一个以慈善事业为主题的摇滚音乐会。1971年，他又举办了"麦迪逊广场音乐会"，参加演出的有Bob Dylan, Eric Clapton, Leon Russell, Ringo Starr和 Ravi Shankar等，是为了亚洲贫困国家而捐款的一次义演。

在陆续推出个人专辑的同时，Harrison由兴趣出发开始了自己的第二职业 － 电影制作。1979年，他建立了自己的电影公司Handmade，并资助当时很著名的喜剧剧团Monty Python重新上演了他们的经典剧目"The Life of Brian"。

2001年，当Harrison为了纪念自己个人发展事业30周年而重新发行了专辑"All Things Must Pass（一切都要成为过去）"之后，被检查出患有脑癌。11月29日这位最年轻的甲克虫离开得了人世，他的离去与他生活在这个世上一样平静、沉默。Harrison是一位伟大的吉他手，也是一个精神信仰的伟人，希望他的精神与创造力继续鼓舞我们。今夜，让我的吉他为他温柔的哭泣吧。

Paul McCartney

Paul McCartney 是最成功的摇滚乐作者，歌手，乐队Beatles的一员。他的歌曲销量成千上万；65年为Beatles所作的《Yesterday 》在美国电台播放达六百万次。

      1990年McCartney在Rio de Janeiro 举行的独唱音乐会有184,000观众到场。James Paul McCartney于1942年6月18日生于英格兰的Liverpool，受父亲影响，从小对喜爱音乐，14岁开始弹吉他，57年与John Lennon相识加入乐队Quarrymen，后与John一起成为乐队的写作。几年后，乐队成为Beatles 。

      1962年Beatles与EMI签约，发行了一系列金曲，并于64年将影响扩展到美国。 68开始，乐队对音乐风格发展方向逐渐出现分歧。69年Phil Spector被邀请参与制作《Let It Be》，他的一些行为使McCartney很恼火。其后，McCartney开始制作独唱专辑《McCartney》，于1970年四月发行。专辑由他和妻子Linda合作，到达榜首。

      1970年4月10日，McCartney公开宣称Beatles解体。他们后又发行了单曲《Another Day》和专辑《Ram》。后来，McCartney组建了乐队Wings，任贝斯手和主唱，Linda为键盘和伴唱，前Moody Blues成员Denny Laine为吉他手，Denny Seiwell为鼓手，71年11月发行专辑《Wild Life》。吸收吉他手Henry McCulloch后，Wings于72年开始在英国巡回演出，并发行了三只单曲，其中《Like Wild Life》在美国达到榜首。73年发行《Run》，在美国售出三百万张，又达榜首。乐队更换了吉他和鼓手后，于75年发行《Venus and Mars》，76年发行《At the Speed of Sound》。78年发行的《London Town》达到白金销量，包括英国榜首曲《Mull of Kintyre》。《Egg》于79发行。82年，McCartney发行独唱专辑《Tug of War》，其中与Stevie Wonder合作的《Ebony and Ivory》到达榜首；第二年开始与Michael Jackson 合作了一段时间。86年《Press to Play》发行，91年《Choba B CCCP》发行，93年《Off the Ground》发行。

      1991年McCartney开始尝试创作古典乐曲，作品包括《Liverpool Oratorio》，《The Leaf》。95年Beatles的成员重聚，发行了包括单曲《Free As a Bird》和《Real Love》等的专辑，获白金销量。McCartney与97年发行独唱专辑《Flaming Pie》，在英美上榜并获同年的Grammy 提名。 同年，McCartney被Elizabeth女皇二世册封为骑士。

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Frank Zappa

没有Frank Zappa，世界的流行音乐会怎样？也许还会和60年代一样，至少不会有现在这样丰富多彩。

在流行乐和摇滚乐中，Frank Zappa是最成熟的作曲家之一，从他的音乐中你能听出对现代古典音乐大师们象Stravinsky、Stockhausen和Varese的敬意，他们在作曲中那种非传统的和声和节奏的运用，对Zappa的创作有着很大的影响；有来自50年代末老摇滚的影响，还有在70年代占音乐主导的吉他重摇滚成分。Zappa也是一位讽刺大师，他那无穷尽的恶毒的幽默感和谬论让他的乐迷们感到无比的欣喜。 Zappa还是在他同一代音乐家中最多产的一个，他自己拥有一家唱片公司“Barking Pumpkin”，制作了了大量的个人专辑。

Zappa很小的时候就对音乐发生了兴趣，在学校中一直追求对音乐的学习。由于经济拮据，他只在加洲的Chaffey艺术学院学习了6个月。之后，他为一些低成本的电影作曲，用攒下来的钱买了一间很便宜的录音棚。1964年，Zappa加入了一个叫The Soul Giants的当地乐队（后改名为The Mothers），经过两年的磨练，乐队与MGM音乐公司签了约，制作人Tom Wilson为他们录制了第一张专辑“Freak Out!”。这是一张双张的LP，它展示了Zappa对严肃音乐和流行音乐的双重兴趣，还有他过人的才智。

后面的几张专辑延伸了“Freak Out!”的音乐和歌词上的主题，而且Zappa发行专辑的频率很快，仅在1968年一年间就有三张专辑冲击排行榜：“We're Only in It for the Money”对当时的嬉皮文化进行了嘲笑，“Lumpy Gravy”是Zappa与一支交响乐队录制的专辑，“Cruising with Ruben & the Jets”是neo-doo wop风格的音乐。60年代末，Zappa将风格转向了纯器乐的爵士摇滚，表现了他熟练的吉他技巧，因为这种音乐方向上的不合，他与乐队的关系破裂了。1970年，Zappa又重组了一个新的The Mothers乐队，他们的音乐风格更象是少儿不宜的喜剧，71年发行的专辑“Fillmore East”。然而，乐队又短命地解散了，因为Zappa在一次演出中被一个精神错乱的歌迷推到了台下，严重受伤。康复之后，Zappa发行了几张专辑，他又一次组建了The Mothers乐队，这次他自己担任了主唱，风格趋于流行摇滚，73年的专辑“Over-Nite Sensation”是他销量最佳的专辑。70年代末，Zappa开始以自己的唱片公司的名字发行专辑，更多的歌迷象信徒一样被他音乐的幽默和复杂所吸引。

我们不能不提到Zappa的吉他演奏，在与乐队的现场演出中，他的solo占很大的比例。Zappa从不把自己当作一个吉他大师，然而他的“Shut Up 'N Play Your Guitar”三张纯器乐系列专辑却足以显现他在吉他上的深厚功力。他的吉他solo谱子被众多的吉他手学习和研究，其中包括当时与Zappa一起合作的年轻吉他手Steve Vai，Vai在以后个人发展中也运用了很多Zappa的音乐素材。就象Miles Davis周围出现了许多优秀的爵士乐手一样，Zappa的乐队似乎变成了个培训高水平摇滚音乐人的基地。

在80年代，Zappa得到了他早期专辑的版权，通过前卫唱片公司Rykodisc重新发行了它们。1988年，他出版了自传并举行了世界巡回演出，即使象捷克这样在当时较保守的国家，Zappa也受到了热烈的欢迎，共产党领袖Vaclav Havel也作为Zappa的忠实歌迷观看了他的演出。这是Zappa的最后一次巡演，1991年，他已经深陷癌症的病痛，但他仍然按期地发行着专辑。在1993年，Zappa去世之后，他生前的作品仍然被继续发行了好几张专辑。

Pat Metheny

　当周围的世界变得越来越都市化的时候，爱乐者未免感叹，音乐中的泥土芬芳已荡然无存。而当这一切已无法被遏制时，有些艺术家变得越来越关注适合这个时代的生活方式，他们不会因情感的物化而变得愤世嫉俗，也不会默默无语地苦守着辉煌时代的再现。他们的音乐在探索科技时代中人的生存状态；在钢筋水泥与高速公路间寻找人的本质与灵性；在一个一切都已被科学证明了的狭小空间里寻找着无限，因为，爵士乐永远是一种轻松的音乐。吉他手Pat Metheny就是这样一位现代爵士乐手。

　　与传统爵士乐迷相比，喜欢Pat Metheny的人会显得很时尚。一方面，他的音乐中电子化的东西很多，而且旋律性很强、编排严密；但另一方面，你又会从中听到不少意想不到的东西。Pat Metheny的音乐就好像是一叠毫无关联的照片拼贴在一起，你无法知道下一次它们的排列方式。

　　Pat Metheny于1954年8月12日出生在美国密苏里州的堪萨斯城。他最早学习的乐器是圆号，他的哥哥Mike Metheny是位小号手。到了十三岁时他才接触到吉他，进步神速。不到20岁时，他就在迈阿密大学和伯克利音乐学院教授吉他课程了。1974年，他与Paul Bley和Jaco Pastorius合作录制了首张专辑。之后，Pat Metheny加入了作曲家Gary Burton的乐队，并为他录制了3张专辑。在Gary Burton的演奏组的三年对Pat Metheny的影响颇深，他认识了键盘手 Lyle Mays。78年，他与Mays，贝司手Mark Egan和鼓手Dan Gottlieb共同组建了自己的乐队。在很短的时间内，他就成为了ECM公司顶尖艺人和最受欢迎的爵士乐手，无论走到哪里，他的演出票都会被抢购一空。

　　80年代以后，Pat Metheny成为爵士乐坛举足轻重的人物之一，他的意义已超越了一个单纯吉他手的范围，他在爵士乐与其他类型的音乐间搭起了一道桥梁。60年代末，Miles Davis把摇滚乐引入爵士乐，开创了“Fusion”(融合爵士乐)的先河。今天，虽然人们也把Pat Metheny的音乐列入“Fusion”的范畴，但他同Miles Davis之间已有天壤之别，Miles Davis的音乐是对远古图腾时代的回忆，而Pat Metheny却是向未来发出的召唤。Pat Metheny的“融合音乐”在范围上更加广泛，除了有摇滚乐外，还有民谣、乡村、流行、电子乐、世界音乐，甚至“新世纪”音乐的成份，从这一点看，Pat Metheny与70年代的一支“Fusion”超级组合“Weather Report”(天气预报乐队)有着许多共通之处。对于80年代以后成长的新一代“Fusion”乐手而言，Pat Metheny是他们观念上的导师。

　　在许多爵士乐迷的心目中，Pat Metheny可以排入爵士史上最有影响力的大师的行列，而其中，以吉他手身份出现的人并不会多，唯一能与他抗衡的恐怕也只有John Mclanghlin。Pat Metheny的吉他技法最早受到了Wes Montgomery的影响，而在他慢慢形成个人风格时，乡村音乐与Ornette Coleman的自由爵士乐也起到了不可估量的作用，Pat Metheny拥有良好的音乐鉴赏品味，这使得他能够博采众长，同时，各种类型的音乐在他的调配下又会显得十分均衡。从思想性看，Pat Metheny的音乐很容易被当今的青年人理解。

　　吉他一向是布鲁斯乐手最为称心的乐器，但Pat Metheny的音乐里却很少有布鲁斯的根源，从爵士史上看，吉他最初在爵士乐队中充当的是节奏乐器的角色，而即使象Charlie Christian、Wes Montgomery这样具有开拓性的天才乐手也仅是在极小的领域里被奉为大师，这主要原因是由于吉他在构造以及音乐等方面的缺陷所致，Pat Metheny很幸运地赶上了一个录音技术与合成器飞速发展的时代，这使得Pat Metheny能够随意地拓展想象空间，也许，这是他成功的奥秘之一。

　　Pat Metheny的音乐历程伴随着十数张专辑的发表，了解这些专辑是了解Pat Metheny音乐人生的最佳途径。他是个很能抓住潮流的演奏者，但他从来不去附庸流行，他的音乐总是在大跨度地变化着，又总是很容易的被人接受。从他与Pat Metheny Group录制的所有专辑中，我们很难给他的音乐进行归类，是民谣-爵士？是轻音乐？我看我们还是不要旺费心思了，就任由Pat Metheny把爵士乐的定义边界拉来拉去吧。

　　除了与乐队Pat Metheny Group合作以外，Metheny的一些个人发展也是相当有趣的，总是让人摸不透他的音乐发展路线。他与萨克斯演奏家Dewey Redman和Mike Brecker，鼓手Jack DeJohnette，贝司手Charlie Haden一起组成一个后Bop五重奏小组，在1980年录制了专辑《80/81》；1983年，他又集合Charlie Haden 和 Billy Higgins组成三重奏演奏组；两年后他与Ornette Coleman一起录制了非常出色的专辑《Song X》。Metheny其他的一些乐队之外的合作还包括：与Sonny Rollins一起录音，1990年与Herbie Hancock组成四重奏组巡回演出，与Dave Holland 和 Roy Haynes组成三重奏录制专辑，与Joshua Redman协手巡演等。

　　Pat Metheny不断地创新，没有人能够预知他音乐风格会如何变化，只有等待他给我们再次带来惊喜。我相信他有能力随意演奏任何音乐而始终让他的乐迷们感到惊奇和兴奋。

John McLaughlin

在爵士乐大师Miles Davis周围，曾经有许多的音乐精英与之合作并受其影响，Fusion吉他大师John McLaughlin就是其中之一，他可以算是一位将Fusion乐发扬光大的音乐者。很多音乐人都爱用Fusion这个词来标榜自己，但John McLaughlin却从不喜欢这样。"我是一个Fusion音乐人，这只是因为找不到一个更好的词来形容我自己。"他曾经说过，"我敬慕爵士乐，我所作的就是将我喜欢的其它音乐形式与之结合。Fusion从何而来，又去向何处？谁是正宗的，谁又不是？其实全是胡说八道。"

McLaughlin从11岁时开始学习吉他，最初他从一些布鲁斯和Swing吉他手那获得了不少启发。60年代，他曾与Alexis Korner, Graham Bond, Ginger Baker（奶油乐队的鼓手）和其他乐手合作过，与Gunter Hampel一起玩了半年的自由爵士。1969年，McLaughlin移居纽约，结识了Miles Davis，参与录制了Miles的经典专集"Bitches Brew"和"In A Silent Way"。1971年，他组建了Mahavishnu大乐队，音乐风格偏于摇滚，尤其融入了当时英国流行的以贝司和鼓为主调的Jungle风格，却带有大量非常成熟的爵士即兴，成为最具爆炸性的爵士摇滚乐队。为在发行了三张很有影响力的专辑之后（"The Inner Mounting Flame"，"Birds of Fire"和"Between Nothingness and Eternity"），乐队于1973年解散。1975年，McLaughlin又组建了一只以印度音乐为核心的乐队-Shakti，开始弹奏原声吉他，他在音乐风格上的这种出人意料的迅速转变让音乐界感到惊讶。Shakti乐队维持了三年，那时，世界音乐这个概念还刚处于幼年阶段，Shakti的音乐就已经在这个领域造成了有力的冲击。从那时起，McLaughlin便徘徊在电吉他和原声吉他的演奏风格之间，他组建了另一只乐队One Truth Band，又与另两位原声吉他大师Al DiMeola和Paco De Lucia组成三重奏，演奏西班牙风格的音乐。80年代中期，又参与了Miles Davis的专辑的录制，并与著名的萨克斯演奏者Bill Evans重新组合了Mahavishnu大乐队。McLaughlin始终保持着Miles Davis的激情，在爵士乐风格和音色的调色板上不断调和出新的色彩。

对于未来的发展，McLaughlin保持着很开放的态度，就象30年前的Miles Davis一样。"Miles并不知道他将去往何处，我对自己也同样不清楚，我只是向前走。"他说，"当人凭着本能和想象向前走时，会不可避免的和其他人交织到一起。难道人的道路不是这样的吗？我不知道还有其他的路可走。"

Bjork

歌者Ｂｊｏｒｋ这一次因为一部电影而再次成为人们关注的焦点。她在《在黑暗中漫舞》中饰演一位失业女工。　 　　不要问我从哪里来，我的故乡在冰世纪

　　世界摇滚史上从来没有这样一位怪诞的女士：她出生于一个长年冰天雪地的岛屿上，后来又长居于东方一个美丽而哀愁的宝岛上。到了成年，这个瘦小精怪的小女子创建了一个名为“糖块”的乐队，接下来她觉得还不过瘾，于是她就决定开始跑单帮，一口气连出了三张专辑。结果三张专辑分别得到的评价是：第一张被香港《音乐殖民地》杂志评为九十年代最佳唱片第九名（前五十名中只有她一位女艺人）连大名鼎鼎的Ｐ·Ｊ·Ｈａｒｖｅｙ都没有能入选），第二张被美国《滚石》杂志评为九十年代最佳唱片第七名，第三张被香港天才少年黄耀明和实验电子团体Ｍｉｎｉｍａｌ成员李端娴选为１９９７年度最喜爱唱片的第一名。她被评论界称为九十年代的冰世纪女神，因为在录影带里，人们看到的Ｂｊｏｒｋ不像是一个天真乖巧的少女，反而更似一个从未来倒流回现在的精灵。Ｂｊｏｒｋ的声音就是一座现代派艺术冰雕，在这座曲径幽深勘探艰难的迷宫里，随着穿行步速的加快和眼前惊人画面的切换，我们会渐渐体力不支并最终迷失在这位魔女的幽魂里。 　　当月黑风高时，让那只寒雀在树影下舞吧！舞吧！舞吧！ 　　 　　冰块为什么比糖块更热卖，Ｂｊｏｒｋ应该最有发言权。在１９９３年以前，Ｂｊｏｒｋ把自己隐藏在一堆乱七八糟的糖块里，当然，人们不需要苟刻地去要求一块糖有美丽的内涵和超群的个性，因为它在撕掉包装纸后魅力就打了五折。Ｂｊｏｒｋ也无须为自己艺术襁褓期的乏人问津而难堪，因为任何一个人都要由零开始。１９９３年，Ｂｊｏｒｋ调整了步伐，做好了革命前的准备。她从老祖母的百宝箱底翻出了一件让当代所有世界时装大师失色的衣服套在了身上，弄乱了头发，怪叫一声就跳进了舞池的热浪中，人们差点以为来了一位十八世纪不太敬业的厨娘。Ｂｊｏｒｋ一开始就对舞蹈失去了控制，她发现自己在跳舞时竟然比走路更自然，于是她决定让音乐与舞合二为一，她为自己制定了第一个五年计划：让跳舞音乐成为一种新的生命造型。

　　在处女作《首演》里，Ｂｊｏｒｋ跳起了一种前所未见的舞蹈，这不是一种火舞，而是一种冰舞。她就像是一只被孩子们遗弃的陀螺，孤零零的跳着一种冰上芭蕾。她小声地唱起了一首歌“好像有人坠入情网了”，这很像一部电影，七年后，Ｂｊｏｒｋ终于如愿了。 　　

　　当我们的好时代竟然是一个好色时代的同义词时，暴力原来比性更快乐！

　　从一开始，几乎每个人就注意到了；Ｂｊｏｒｋ不但谈不上漂亮，简直是难看。Ｂｊｏｒｋ的不漂亮几乎从童年时就替她种下了一颗明亮的种子。这颗种子的重量与漂亮的辛·奥康娜的种子重量是不一样的，因为漂亮，奥康娜赢得了全世界的爱；因为不漂亮，Ｂｊｏｒｋ也必将获得世人尊敬。奥康娜发表首张专辑《狮子与眼镜蛇》时是１８岁，Ｂｊｏｒｋ的第一张问世时她已是２８岁了。她是冲破了美女阵营的防线走到我们眼前的，让我们吃惊的是她的眼神竟然那么冷漠而安详地滑过了我们高耸的肩膀———那是一道我们因极度恐惧而永远无法理解和拥抱的死亡之门。

　　Ｂｊｏｒｋ的第一张专辑让人们惊异的正是她音乐中暴露的越走形就越真实的画面，这些歌都有一个古怪的名字：《大时代好色》、《暴力的快乐》、《锚之歌》、《装死》。当Ｂｊｏｒｋ在她本人艺术的首场演出落幕前表演“装死” 时，她将人类这个最夸张的假动作作了一次最生动的诠释。装死，这是儿童游戏里最喜闻乐见的一种，它蕴含着一种深深的对生的不信任和嘲讽。它是大人所不理解的，因为他们认为这是成人世界里一个失效与失败的动作。装死，它企图通过一次静止不动的戏剧性表演骗取阴阳两界的双重承认。

　　装死，是死亡前一次灵机一动的彩排，它给生注入了一副再滑稽不过的表情。

　　当Ｂｊｏｒｋ发现自己的性资源无法令时代文化的食客们达到高潮，她只好选取了装死来与活物调情。装死是为了躲避死亡，躲避暴力，它在诠释暴力方面达到了人类史上的一次新高潮。

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Sting

　　原名Gordon Sumner，1951年10月2日出生于英格兰的沃尔森德。Sting的独唱生涯始于1982年，当时他是Police乐队的主唱和贝斯手。当年他还主演了电影《Brimstone And Treacle》，他在剧中还翻唱了由Vivian Ellis创作的30年代的民谣歌曲《Spread A Little Happiness》。这首歌的新颖风格和Sting的声望确保了它在英国排行榜上前20名的位置。在继续在各地巡回演出并与Police乐队录制音乐的同时，他还共同创作并参与演唱了Dire Straits的热门歌曲《Money For Nothing》并在Phil Collins的《No Jacket Required》中唱和声。

　　然而，到了1985年，Police乐队中的其它成员的开始追求独唱表演，Sting又组建起了另一支巡回乐队“Blue Turtles”。乐队中包括一些纽约的爵士乐知名人士如Branford Marsalis(低音萨克斯)、Kenny Kirkland(键盘手)和Omar Hakim(鼓手)。这支乐队在牙买加Eddy Grant的制作间录制了他们的第一张独唱专辑，后来marsalis和Sting还与Plil Collins一起在“Live Aid”演唱会上进行了表演。《The Dream Of The Blue Turtles》显示出Sting的歌词正在朝着更理性化的方向发展，这首歌收录在Police乐队的最后一张专辑《Synchronicity》中。另外三首歌曲在国际上也风糜一时，包括《If You Love Somebody Set Them Free》(在英国排在第26位，在美国排在第3位)《Fortress Around Your Heart》(英国排行榜中第49位，美国排行榜第8位)和《Russians》(英国排行榜第12岁，美国排行榜第16位)。1985年，Michael Apted指导制作了《Bring On The Night》，这张唱片以演唱会的形式介绍了Sting和他的巡回乐队。在随Blue Turtles乐队进行了一次巡回演出后，Sting在1987年又和Marslis和Police乐队的吉它手Andy Summers以及特邀嘉宾Ruben Blades、Eric Clapton和Mark Knopfler一起录制了《... Nothing Like The Sun ...》(名称取自一首莎士比亚的十四行诗)。这张专辑一推出立刻在国际上获得了成功，唱片中包括Sting献给被阿根廷政府镇压的受害者位一首《They Dance Alone》(Gueca独唱)，引外还有非常有名的Jimi Hendrix的《Little Wing》。同年Sting参加了大赦国际组织的“Human Right Now！”巡回演唱会，并把随后两年的大部分时间用于为环境事业进行宣传和筹集资金的活动。80年代末期，他创办了自己的唱片公司Pangaea，出版一些爵士乐和先锋派的艺术作品。1990年8月，《... Nothing Like The Sun ...》中的一首歌《An Englishman In New York》(受英国影片“Quentin Crisp”的启迪所作)在英国的歌曲排行榜中上升到了第15位。1991年，Sting推出了自传题材的专辑《The Soul Cages》，其中收录的歌曲《All This Time》在美国公告牌排行榜中达到了第5位。

　　他接着又推出了同样风格的专辑《Ten Summoner's Tales》，其中包含了一些更高质量的热门单曲包括《If I Ever Lose My Faith In You》和《Fields Of Gold》。《All For Love》是他与Bryan Adams和Rod Stewart共同为电影《三个火枪手》创作的电影插曲，这首歌1993年11月排上了美国流行歌曲排行榜的首位，1994年2月在英国的排行榜中上升到了第2位。《Fields Of Gold》集中体现了Sting作为英国“新一轮”音乐繁荣期(1977年以后)中的出色歌曲作者的非凡成就。这张唱片中收集了他的两首新歌《When We Dance》和《This Cowboy Song》，前者在1994年10月份达到了英国独唱单曲排行榜的第9位，这也是Sting的独唱歌曲在排行榜中的最好名次了。他后来推出的《Mercury Falling》可以说是一张有标志性的专辑了，尽管不如《Ten Summoner's Tales》的声势强，但也算是一部很好的作品，足以让歌迷们满足并让大多数批评家们平息下来。他的新专辑中的标题曲《Brand New Day》再次证明他仍有实力获得单曲的成功，这首歌1999年9月在英国的歌曲排行榜中名列第13位。

有时候，《Q》杂志的记者们也需要休息一阵子。通常情况下，这意味着在希尔西山庄的活动房车里呆上一个星期。但是今年，Sting——这位图斯坎夏日度假山庄的主人由于招待了布莱尔首相、麦当娜、达斯廷·霍夫曼、克里斯蒂·图灵顿这些贵宾而把我们这些在他那里度假的音乐记者的地位抬高了。那么代价是什么呢?就是输上一盘国际象棋。

　　Sting坐在房屋台阶上胡乱地拨弄着一把古典吉他。他穿着一套古老的靛蓝粗布工作服，里头是一件白色T恤。太阳已经晒黑了他的皮肤而且使得他的头发看起来发出光亮的色彩。他看上去气色很好，用匹克随意地弹出一连串优雅的音符。旋律十分优美，他的嘴里情不自禁喃喃地跟着哼了起来。 　　

　　在他面前横亘的是一个幽深的山谷，里面是一大片葡萄园和橄榄丛林，边缘是森林和高山。他凝视着远方的山峰，明天他就要走了。也许明天山谷里的浓雾会消失得一干二净。这里没有什么值得忙碌的事了，他结束了弹奏，把吉他放在一边。远处教堂的钟声响了四下，他收回了远眺的目光擦了擦宽大的手掌。 然后他用手捏住鼻子擤了一把鼻涕，却发现这是一个粗俗而严重的后果——忘了带手帕却没有有效的方法去消除残留在手上粘性的余液。更为糟糕的是，周末的客人已经出现了而且焦急地等着握手问好。怎么办?Sting就像任何一个具有右翼思想的人所做的一样，伸出手在石头门上擦了擦企图抹去手上的分泌液。客人们看得都惊呆了，伸出去的手急速地缩了回来。 　　

　　“这是我的房子，”Sting咧着嘴笑道：“我可以做我想做的任何事。” 这是Sting的房子——他的第5处房产，如果有人计算的话，这座名叫PalagioⅡ的住宅坐落在Chiantishire山上，是一幢简单的有3层赤土结构的房屋，主梁是用大理石做的，天花板是穹形的，地板镶嵌着美丽的旗石，四周的墙壁竟然是波浪型的。各式各样的草木笼罩在房屋的四周，主要是紫藤植物。 那真是不能忍受!更加不能忍受的是——你看到的每一样东西：从屋背后的松树到小湖泊，都是Sting拥有的。轻捷的燕子在Sting拥有的钴蓝色的天空下掠过，田野里的向日葵恭敬地低下了头，而马在Sting的马厩里打着响鼻。那真是一片堪称天堂的地方，只是拥有者是斯汀而不是上帝。 　　

　　这几天，Sting邀请《Q》杂志的记者去分享他奇妙的生活。“把这个地方当作自己的家。”他说。他的话很诱人，那语气就像是在带买主看房子。我们接受了他鲁莽的邀请欣然前往。 当我们出现在这个美丽的别墅山庄时，Sting和他的另一半Trudie Styler告诉记者，晚饭将在黄昏时分开始。“你们可得要喝许多酒啊。”Sting警告道，所以当我们沿着卵石路走向他家的时候觉得这是个折磨人的主意。 　　

　　这座房子里摆放着很多做工讲究的意大利古玩和艺术品味极高的沙发。这儿的阳台上种植有饱满的紫色葡萄，而且房中还有40个频道的卫星电视。厨房是用最好的Zanussi配套的，碗橱里放着中国茶，冰箱里也有面包、牛奶以及比萨饼。浴室的窗沿边斜躺着一对木制牙刷，旁边则放着一瓶当地手工生产的熏衣草香波和厚厚的肥皂，无需说，它是没有足够的泡沫去弄瞎一只小动物的眼睛的。 卧室是昏暗一片，只有白色的床单比较显眼。在床头柜上放着一本用西班文介绍墨西哥的书。 　　

　　上个星期，克里斯蒂·图灵顿住在这里；再上个月，是麦当娜! Sundry Sumners在庭院里忙碌着大伙的晚餐。但晚餐之前，有一个小小的运动要完成，打乒乓是一个必须保持足够清醒头脑的运动，但饭前的饮酒者们却打得东倒西歪。Trudie Styler很快就放弃了最后的决赛。她说：“我怎么有点醉了呢。”

      在餐桌上，Styler翻开了近来她与主厨Joe Sponzo合写的一本菜谱。Sting翻开了一页，重新浏览了他这10多年来吃过的菜肴的名字。“我为Trudie和Joe感到自豪。”他热情洋溢地说道：“许多爱溶入了这本书中，还有许多卡路里。” 今晚，Joe已经准备了一顿典型的异国情调和折衷主义的盛宴：从几个简单的冷菜开始，接着以一个浓味海鲜肉汤为主菜，并以巧克力布丁结束。”你能明白为什么我们不得不做瑜伽功了吧?”Sting拍着他光滑的腹部说。 就在品尝这些美味的同时，餐桌后面跑来了几个孩子，他们都是Sting的最爱，Cocoa,今年9岁，长得很漂亮，Jake，是位喜欢挖苦人的13岁男孩；Micky，16岁，极酷——她正在读书并学会了多种语言；最后一个就是小儿子Giacomo，一个古怪的3岁半的男孩。他显然被一些技术上的细节问题迷住了，总是不停地问：“直升机的桨会砍到我的头吗?”据说他在上床睡觉时总爱听贝多芬的音乐。 “我真的相信他(指Giacomo)是我父亲的再生。”Sting叹了口气说：“他满脑子都是机械的东西，没有时间和我说话，就是像我的父亲。真是不可思议，难道鬼魅会再现吗?” 　　

　　事实上Sting和Trudie是很相信鬼魂的。80年代早期他俩住的房子中经常有些怪事发生。比如说厨房里的刀子会无缘无故掉在地板上，玻璃杯会被整齐地切成两半。想起来真令人不寒而栗。“有一个晚上我醒来的时候，”Sting回忆这事依旧有点害怕。“看见Trudie站在窗外抱着一个婴儿，我很惊奇因为Trudie还在我身边抱着我的肩膀。怎么回事?那个女人又是谁呢?我俩都看见了一个幻像——一个女人抱着一个婴儿。那真是让人害怕!” 　　 　　

　　为了排除鬼魂的缠绕，我们决定玩Perudo——一种南美盛行的掷骰子的游戏。Sting是这方面的专家。于是我们这些记者暗暗咒骂他。当最后他收拾好残局，将赢得的钱币塞入口袋时，一口喝干了瓶中的酒，然后对我们有“礼貌”地说了句“笨蛋!”就笑着回到楼上的卧房睡觉去了。 　　 　　

　　第2天早晨8点吃早饭的时候，Sting又出现了。他沐浴在金色的阳光里，穿着一件精心制作的绣花浴袍。“这是从象牙海岸带来的。”他说：“你们去过那儿吗?那地方是个血腥的地方，而且这件袍子的价格……” 早餐是全肉的吐司、瓜果和胡萝卜汁——因为这可以防癌。为了健康起见，他奉劝我们多喝几杯。 但是整个上午这位具有很强保健意识的Sting却没有能善始善终，他点燃了香烟，吞云吐雾中跟我们聊起了令人尊敬的Stevie Wonder、神秘的喜马拉雅、安哥拉、国际象棋、骑马、丹尼尔·戴·刘易斯等广泛的话题。接着他又回忆起当初是如何离开the Police乐队的。“我告诉其他人我准备走了，但他们的样子看上去好像不是特别在乎。所以我说，我会带走我创作的所有歌曲版权，他们也只是耸耸肩表示不屑理睬。他们的想法是我离开这支伟大的乐队的话会失去很多。” Sting还不经意地透露，近来他写了一首从海豚那里得来灵感的爱情歌曲。歌词中有一句：“我需要你就像我需要头上的这个洞”。 　　

　　午饭后我们实在是闲不住，决意要参观一下Sting楼上的录音室。这是一间装有空调系统的大录音室。Sting一边介绍各种设备，一边给他的新歌做一个Remix。几个小时后，我们站在窗帘边观看着血红的日落时，Sting建议来一盘国际象棋。他说：“我近来在Internet上下过好几盘棋。“于是一场混战开始，Sting的棋下得很凶，极富攻击性。一个半小时之后，我们的“王”就被捕获了。 　　

　　夜幕降临之时，我们与Sting的新房子告别了，不过还是跟Sting同路，因为他要去参加一个音乐会，几天后才回来。在路上我们又开始了聊天。谈到了这位乡村教师变成专辑销量高达9500万的巨星的经历时，我们问他现在有什么感觉?是不是觉得自己的传奇已经可以收尾了?Sting回头望了望那远去的漂亮的房子，然后将他轮廓清晰的脸转向我们：“感谢上帝，那个过去已经结束了。那是一场赌注。”

[此贴子已经被作者于2007-4-24 22:45:10编辑过]

灵魂指路——声音里的Sting

在森林和寂寞荒凉的地方,一只专心致志的耳朵能够察觉到某种事物巨大的脉动,如果我们的耳朵训练有素,我们也能够听到伴随着这种东西的音乐。 --弗吉尼亚·沃尔夫《街头音乐》 沃尔夫并不象罗曼·罗兰或者萧伯纳，有专业音乐评论家的背景。她最贴近大众的只是意识流小说和泰晤士报书评栏里的印象式评说。她所知道的音乐也仅限于德彪西或者威尔第的歌剧之类。但是对意识流动的直觉捕捉让她感受到了音乐中真正的灵魂跳跃。 在我看来，弗吉尼亚·沃尔夫就象她的英国老乡Sting一样，不是用乐手的观念，而是用灵魂的印象去把握音乐的。 和很多人一样，我第一次知道Sting，是因为吕克·贝松导演的《这个杀手不太冷》。在很多网友的观后感里，最打动人的不是娜塔丽·波曼和让·雷诺的奇妙感情，或是盖瑞·欧得曼的变态警察造型，而是影片结尾处，劫后余生的玛蒂尔答把里昂的兰花移种在树下时，镜头上摇到深远的天空，漫溢出画面的Sting悠扬超俗的声音，那首歌叫《Shape of my heart》。 在网上搜索Sting，可以找到很多他的资料，有些也是很新的评论。但是整体上，他的暴光率不是很高了。近几年我记得大陆媒体不多的提到他的名字还是几年前和卡斯帕罗夫较量一下国际象棋。直到今年的奥斯卡之夜，Sting的作品提名了最佳电影歌曲。 其实这个乐坛老将原名高登·萨默(Gordon Sumner)，1951年出生于英国纽卡斯尔(Newcastle)的一个工业小镇。Sting 是那件他演出时常穿带毛刺的毛衣的外号。 提到Sting必定要说The Police乐队。是这只流行雷鬼乐队让Sting成为80年代初摇滚新浪潮运动中的重要一员，现在依然会选进摇滚经典单曲的《Every breath you take》就是那时的颠峰之作。歌曲的整个节奏整饬流畅，萨莫斯的摇滚琶音、科普兰德的鼓声节奏、和Sting信步游庭又张弛有度的演唱配合的天衣无缝。 随后一件在摇滚史上众说纷纭的风波发生在1983年末， Sting退出了正处在鼎盛时期的The Police乐队，组建了一支名叫“Blue Turtles”的爵士乐队，转入个人演唱生涯。 现在已经迈入一流文学家的捷克作家米兰·昆德拉当初就是从爵士乐手转入写作的，在他的《被背叛的遗嘱》里，仍然可以看到他扎实的音乐修养。从他对批判爵士乐的哲学家阿多诺的嘲讽里，依稀可辩他对爵士乐里音乐自由灵魂的怀念。一如昆德拉用思索的文字诠释音乐，Sting也开始用音乐的元素编织语言层面上的精神追寻。其实，在70年代的早些时期，Sting也和昆德拉一样是从爵士乐开始音乐生涯的。也许爵士乐重视即兴演奏和自由发挥的氛围更适合Sting表现内心灵魂律动。但是和B·B·King或者埃灵顿公爵那种慵懒、散漫的纯粹爵士曲风不同，Sting又注重曲调的层次感和歌词内容的思辩性，在精神上向宗教式的广阔和冥想接近。 1987年爵士乐队解散后，Sting推出了许多个人专辑。在这些作品中，他开始追问灵魂，开始向内心最微妙的体验接近。如1987年的《无与伦比的太阳》(...Nothing Like the Sun)，1991年的《灵窟》(Soul Cages)(主要是为几个月内痛失双亲而作)，1993年的《十个布道者的传说》（Ten Summoner's Tales）(对其歌唱生涯的反思)等。后两张专辑都获得了格莱美奖。1996年他推出了同样关于音乐理念的专辑《水银下降》（Mercury Falling）。十几年的音乐探索，使Sting形成一种把爵士、摇滚和其他的流行音乐融为一体的独特风格，为更多的不同的乐迷所接受。直到2000年度的格莱美颁奖晚会上，Sting达到音乐生涯的顶点，其新专辑《新的开始》（Brand New Way）不仅获得了“最佳流行专辑奖”，其本人也夺得了“最佳流行男歌手”的头衔。 这时的Sting已经彻底摆脱了The Police时青春偶像式的冲动，Blue Turtles时先锋性实验的特立，以及个人演唱阶段时对空灵神秘的求索，开始进入到一种洗练、沉稳、超越的境界，真正是灵魂指路的状态。就象Sting自己说的：“我感到现在每一张唱片都是我的巅峰之作，其实很多人认为不可能有完美的事情，音乐也是一样。和我同时代的音乐人Peter Gabriels、Don Henley、Bruce Springsteens，都将自己对生命的理解注入在音乐中，而我所能做就是从音乐中找到我所需要的。” 在我听到的Sting的歌里，尤其是一些慢板抒情歌，有一种雨后碧蓝天空般的悠远感觉。那些久远的感情，梦里的景象，还有触手可及的喜悦或是哀婉，全都在制作精良的配乐里化作蝴蝶般的精灵，自由飘逸。此外，Sting的歌词水准很高，很多都写的诗意十足，洋溢着言外之音。 比如《Fields of Gold》，就像成年后的童话。沃野金黄，麦浪起伏。有孩子在跑向夕阳守侯的天际，空气里依然弥漫着多年前爱人的发香。“当西风穿越时空吹拂面庞的时候，你就会再次想起得我。在你凝眸的瞬间里，脚下就是多年前一起走进的金色原野。” 而《The Book of My Life》则有一种博尔赫斯式的魔幻。“如果我失去了一切，我的生命之书必定有一章会永远失去，必定有一个灵魂没有归所，有一份爱没有终结。现在那些篇章被铭记下来，然而我不知道它们将如何继续，因为我生命之书的结尾，是无人能懂的寓言。” 最近一次Sting进入人们的视野，是他为明格拉的电影《冷山》创作的歌曲《You Will Be My Ain True Love》入围奥斯卡最佳电影歌曲奖。那晚的颁奖礼上，Sting亲自演唱了这首歌。 《You Will Be My Ain True Love》是一首颇似Paul Simon风格的民谣，只有一个简单的旋律贯穿始终，一唱三叹，循环往复。曲调舒缓而幽怨，好象在讲述一个亲身经历过的故事，又好象是在宣布一个神秘的预言。“当你穿过死寂的黑夜，隆隆的炮火不会震慑到你，那些追逐你的不会找到你的踪迹。你将是我的挚爱，你将是我的挚爱。”整首歌和影片的归家主题十分贴切，而且与另一位乐人卡斯特罗的《红潮》相互呼应。 有意思的是，Sting在演唱时一直在摇着胸前一个奇怪的乐器，好象是放大的八音盒之类的东西。演唱过程中他保持着一种置身于外的平静，好象对最后的结果并不在意。但是最后，小金人依然属于大热门的指环3。 不知道Sting会不会遗憾，不过要知道，去年的最佳歌曲，连U2这样的神话乐队都没有笑到最后。我想，Sting是不会在意的，他真正在意的，只是他在音乐中一直跟随的灵魂之声。就象他最喜欢的，是他建在葡萄园和橄榄丛

猫王!

Elvis Presley　　二十世纪中叶，他的到来带来摇滚乐悄悄兴起，这个对摇滚乐有着重大意义的人物，你一定不会陌生，他就是“猫王”——Elvis Presley。他的表演疯狂激昂，他的音乐不同反响，一场反传统的的斗争也由此开始。

　　Elvis Presley生于1953年1月8日，他的家乡是美国密西西比州的一座小村庄East Tupelo。Elvis小时侯家境并不富裕，但是喜爱音乐的父母还是在他7岁的时候送给了他一把吉他，渐渐的他开始接触到美国西部黑人福音音乐，而13岁时，举家迁到孟菲斯城更是Elvis走向音乐道路的标志。在这座音乐之都中，R&B和C&W音乐交相辉映，这无疑对Elvis产生了巨大的影响，也由此是他悟出了摇滚乐的雏形。 1953年，Elvis高中毕业后找了一份卡车司机的工作，在他妈妈生日时，他录了两首歌《My Happiness》和《That’s When Your Heartaches Begin》作为礼物，也因此使为他录制歌曲的Sun公司对他产生了兴趣。1954年4月，在Sun公司老板Sam Phillps之约，加盟该公司并推出《That’s Alright Mama》，这首单曲在孟菲斯城卖出7000张，从此Elvis走向职业歌手生涯。

　　1955年，在著名经纪人Thoms Parker的帮助下，Elvis签约实力雄厚的RCA唱片公司。公司为他配备了五人乐队，并在第二年推出他的第二张专辑《Elvis Presley》，专辑一推出，单曲《Heartbreak Hotel》立即成为全美流行曲，Elvis叛逆不羁的形象和高亢磁性的嗓音立即成为年轻人疯狂追随的偶像。Elvis定义了摇滚的词义，他的音乐使年轻人压抑愤怒的情绪得以发泄，空虚孤独的思想得以解脱，摇滚乐越来越受到人们的喜爱与关注。

　　通过几年的奋斗，Elvis已经成为摇滚乐的巨星。到98年为止，他已经拥有了12张白金唱片，其中《Heartbreak Hotel》、《Howd Dog》、《Loe Me Tender》更是相继荣登排行榜首，仅《Love Me Tender》在未卖前就创下了100万张定单的记录。此后Elvis应征入伍，1960年退役后，他的风头已经不如当年，竞争的战火正在向他蔓延，Beatles乐队正在迅速占领歌坛。

　　退役后，Elves很少演出，他隐居在自己的“雅园”内修养生息，直到69年才重出江湖。在拉斯维加斯的电视音乐会上，他演唱的新歌《疑念百出》、《贫民窟》、《肯塔基之雨》和《燃烧的爱》又使他重新拥有歌迷，他的才华依旧被人们所认同。

　　1977年8月16日，吸毒导致Elves过早的离我们而去。他的一生灌录了140多张唱片，首首都是上榜金曲，销量达3亿5千万张，Elves的成就是有目共睹的，他的音乐代表了一个时代，代表了一代人的意念，他是世界摇滚第一人。

[此贴子已经被作者于2007-4-24 22:45:31编辑过]

David Gilmour

什么造就出了令人难忘的吉他solo呢？主音吉他基本上是由音色、感觉和旋律组成的。虽然很难用技术语言来描述怎样的组合比例才是完美，但一般来说，人们－尤其是吉他手们－在判断一段solo是否美妙时是不存在任何问题的。因为当任何一部分都恰到好处的时候，一段伟大的吉他riff自会显得与众不同，很轻易地就带你走到了音乐灵魂的中心。Pink Floyd乐队的David Gilmour正是这样的一位吉他手，他用吉他渲染出了美妙得象奇迹一般的solo。除了他的吉他旋律以外，他还与Roger Waters共同创作了很多极为经典的歌曲，如"Comfortably Numb"和"Wish You Were Here"。 Pink Floyd的历史是从1965年开始的，虽然后来Gilmour的名字几乎成了Pink Floyd的同义词，但在最早乐队成立的时候，他并不是成员之一。

Gilmour来自于一个音乐家庭，"我父母唱歌很好，我哥哥会吹笛子，姐姐是拉小提琴的。"他说，"我一直都对音乐很感兴趣，起先是民谣和布鲁斯：Sonny Terry，Brownie McGhee，Leadbelly，Pete Seeger，还有其他很多人。后来就是Elvis Presley，还有他带来的摇滚乐。"

Gilmour在13岁才得到了他的第一把吉他，他开始通过收音机中的节目自学吉他。"我喜欢听一个叫'Radio Luxemburg'的频道，"他说，"我试着学会我喜欢的歌曲的每个部分，包括贝司、节奏吉他和主音吉他。这要花不少功夫，通常一首歌会在电台里经常播放，而我有时一个星期里要听上20多遍。"

他那时学的歌曲大多是当时很热门的－the Beatles, the Rolling Stones, Chuck Berry等等。他后来开始加入一些乐队。在其中一个成功的乐队"Jokers Wild"中，他弹了近三年。"我们很受欢迎，"Gilmour回忆说，"因为我们演奏很多当时很红的跳舞音乐，这是人们最喜欢听到的。"

后来就有了Pink Floyd乐队。在开始是Jokers Wild乐队为一个叫Pink Floyd Sound的乐队作了几次开场演出，这个乐队也是Gilmour的几个同校的朋友组建的，包括乐队的创建人Syd Barrett。Pink Floyd那时在伦敦地下音乐圈里已经小有名气了，他们义实验性的迷幻的声音和演出灯光吸引了一批崇拜者，并在地下音乐圈中建立了最嬉皮的乐队的名声。1967年，他们的两首歌曲"Around Layne"和"See Emily Play"成了英国的热门歌曲，并发行了专辑"Piper at the Gates of Dawn"，他们也开始成为了伦敦人们谈论的话题。在第一张专辑的成功之后，Syd Barrett对毒品的依赖和精神上的问题使他变得消沉，行踪诡秘让人难以琢磨，而且经常在舞台上暴躁得毁了乐队的演出。

在Barrett行踪不定的日子里，由于乐队无法进行正常的排练与演出，Gilmour作为乐队的朋友经常被其他成员邀请来帮忙，渐渐的他取代了Barrett的位置。1968年一月，Gilmour接到了一个让他难以忘怀的电话，他回忆说："他们打来了电话，问我想不想加入乐队。"一切进行地都非常顺利。Gilmour正式代替了原主唱兼吉他手－也是他的老朋友－Barrett，作为乐队的成员站在了观众面前。

Gilmour的加入使得Pink Floyd的音乐有了新的发展方向。他对六根弦的控制，以及天生的旋律感觉，铸造出的独特吉他声音成为了Pink Floyd的标志。

在完成了他们的第二张专辑"A Saucerful of Secrets"后，Pink Floyd进入了乐队的一个过渡期，从迷幻摇滚转变到了一种配以管弦乐、多层次、极为豪华的前卫声音。相继推出了专辑"Ummagumma"(1969)，"Atom Heart Mother"(1970)，电影原声专辑"Zabriskie Point"(1971)，最后他们以"Meddle"(1971)结束了这一过渡期。1971年后期，他们开始着手准备他们的杰作"Dark Side of the Moon"。这张专辑作品的轮廓是他们在六个星期中的JAM即兴中慢慢形成的，然后是经过了八个月的录音和制作，1973年完成。

在这张好得让世人震惊的专辑"Dark Side of the Moon"之后，Pink Floyd又开创了前所未有的壮观演出现场，并在录音室中继续他们的音乐实验。1975年推出了"Wish You Were Here"，1977年推出了"Animals"，到了1979年达到了他们音乐的顶峰，那就是"The Wall"。持续了4年之后，下一张专辑"The Final Cult"才推出。紧跟而来的是一连串的官司纠纷，以及Roger Waters的离队。当乐队稳定之后，作为灵魂舵手的Gilmour带领着乐队又出了两张专辑"A Momentary Lapse of Reason"(1987)和"Division Bell"(1994)。

在Pink Floyd乐队之外，Gilmour也出过两张个人专辑：1987年的"David Gilmour"和1984年的"About Face"。

在问到他如何形容自己的风格时，Gilmour说："我的风格是一锅粥，确实是这样。里面包括一些布鲁斯licks，还有我以前学过的好多很美的歌曲的旋律和solo。你只要一点点地积累，然后把它们都放到一起。每当你在学其他人的旋律的时候，不管是什么风格，那旋律都在你的脑子里留下印象。当你将来在写自己作品的时候，你以前所学的东西就会涌现出来。"

当问到他是否能将自己对吉他的经验总结成为格言式的书面语言时，Gilmour回答得很简单："我总结不出什么漂亮的语言，但是我觉得关于弹吉他用两句话就能全部概括：一.用你的感觉去弹。二.不要想其他任何事。" David Gilmour使用的设备： David Gilmour和Pink Floyd的前任吉他手Syd Barret一样，开始是用Fender的Telecaster，但很快他就改变了口味，成为了英国第一个使用Fender Stratocaster的摇滚吉他传奇人物，并用他的吉他创造出了标志性的声音。Gilmour的父母在他21岁生日的时候送他一把Tele，他弹了这把吉他一年（包括在专辑"Saucerful of Secrets"的录音中），后来他在乘坐飞机的时候丢失了。在正式加入Pink Floyd乐队之后，Gilmour买了一把定制的Stratocaster（这是他的第一把Strat）。在Pink Floyd的早年时间里，Gilmour几乎所有的时间都是弹Stratocaster的，他能够运用所有的表现方式来展现他的音乐风格，包括不同的音色档和摇把。他在极少数的时候还会用一把Lewis的24品电吉他来扩展音域，比如他在"Money"中solo的演奏，他偶尔还会使用一下Tele。Gilmour在他的吉他上用的是Gibson Sonomatic琴弦，标号是.010, .012, .016, .028, .038, 和.050。他的拨片是Herco的heavy规格的拨片。

David Gilmour 在Pink Floyd乐队早期的音箱设置是一个50瓦的Selmer的功放和一个4x12喇叭的音箱。1970年，他用100瓦的Hiwatt与WEM 4x12喇叭的组合找到了自己的音色。Hiwatt/WEM的组合在专辑"Meddle"和"Dark Side of the Moon"中表现非常出色。在录音室中，Gilmour有时会使用一个Fender Twin Reverb合体音箱，并在某些需要的时候加上两个12吋的喇叭。

David Gilmour的早期使用的效果器有：一个Binson Echorec磁带延时机（Barrett在乐队时也一直用这个设备），Dallas-Arbiter Fuzzface效果器，Uni-Vibe踏板，Vox wah-wah踏板，一个DeArmond音量踏板，Leslie和Yamaha RA-200的旋转扬声器。1972年，他的效果器都固定在一个定制的箱子里面，设备也进行了升级，包括添加了第二个Binson Echorec和第二个Fuzzface，一个MXR Phase 90，一个Crybaby哇音踏板，一个Electro-Harmonix Electric Mistress飘忽效果器，Big Muff fuzz，一个Orange高低频调压器，还有一个自制的音色踏板。

另外，Gilmour在录音棚中还使用效果设备，象ADT（Automatic Double Tracking，Abbey Road录音棚当初专为the Beatles开发的一个录音处理器），还有其他一些颤音、回波、背景吉他等音色处理设备。他有时还会用到一个EMS Synthi Hi-Fi吉他综合处理器（听"Dark Side of the Moon"中的"Time"），在某些滑弦的地方还会用一个Fender双颈夏威夷式吉他。Gilmour在早期所用的箱琴很多样，70年代后他比较固定地使用Martin D-18和D-35两款琴，根据不同的歌曲，还有指弹和扫弦的需要而使用。

Charlie Hunter

一看到这把怪琴，少见的8弦配置加上扇形的弦品指板，你会就知道使用这把吉他的吉他手一定是个怪才。他就是Charlie Hunter，一个富于创新的年轻爵士吉他手。

这把吉他是Novax公司的创始人Ralph Novak（也是这种扇形的弦品指板的专利拥有者）亲手为Charlie Hunter设计制作的，琴身上共有3根贝司弦和5根吉他弦，有着不同的拾音器组，就像是贝司和吉他的合体。Hunter就是凭着这把琴向人们证明了他出色的演奏能力。

爵士手Charlie Hunter于1968年出生在克里夫兰州的Berkeley。他十几岁时就开始学习弹奏吉他，并师从于当地的吉他老师－后来大名鼎鼎的Joe Satriani。Hunter几乎喜欢所有的爵士风格，他所受的音乐影响从Dead Kennedys到Parliament到Charlie Parker，无所不有。在吉他演奏上，Hunter受到的影响主要来自于爵士吉他大师Joe Pass和Tuck Andress，这两人都一个特点，就是在普通的六弦吉他上将贝司音符和旋律完美的结合在一起，使他们的演奏听上去好像是两个吉他手在合奏。但Hunter还想将这样的演奏风格再进一步发展，他一直在寻找一种能同时发挥贝司手和吉他手作用的特殊乐器。

Hunter的音乐生涯是从加入一个叫Beatnigs的乐队开始的，这是一个Hip-Hop风格的说唱乐队。显然这种音乐没有令Hunter感到愉快，他不久便离开乐队，组建了自己的一支带有Funk风格的爵士乐队－Charlie Hunter Trio（Charlie Hunter三重奏），成员包括毕业于Berklee音乐学院的萨克斯手Dave Ellis和Primus乐队的前鼓手Jay Lane。1993年，他们发表了第一张乐队同名专辑。在这张专辑中，Hunter开始使用一把七弦琴来发挥他那贝司吉他合一的二元性演奏。由于这张唱片的成功，乐队与Blue Note唱片公司签约，1995年录制了他们的第二张专辑“Bing, Bing, Bing!”。在这张唱片中，Hunter正式向人们展示了他那把怪异的八弦吉他，也带来了一种全新的吉他演奏形式，他终于得到了自己一直追求的那种二合一的音色。

Hunter在90年代中期参与了另一个乐队T.J. Kirk，这支乐队的名字来源于他们所喜爱的大师们的名字－Thelonius Monk，James Brown和Rashaan Roland Kirk，他们演奏的也主要是翻版这些大师的作品。在发行了两张专辑之后，Hunter重新组合了他自己的乐队，变成了一个四重奏组，鼓手Scott Amendola，中音萨克斯Kenny Brooks和高音萨克斯Calder Spanier。1997年，他们发表了一张极具争议性的专辑，全盘翻版了雷鬼乐大师Bob Marley的经典专辑“Natty Dread”，融入了摇滚、Funk、酸爵士、后Bop等多种元素。有人评价说这是Charlie Hunter的最优秀的专辑，也有人觉得它古怪得让人难以接受。不管怎样，Hunter那在一把琴上分离贝司和吉他音音线及音色的演奏手法给人们留下了更深的印象。

由于Calder Spanier在一次车祸中丧生，Hunter不得不解散了乐队，带着鼓手Amendola到了纽约。在那里结识了管风琴手Stefon Harris和打击乐手John Santos。一个新的乐队Charlie Hunter & Pound for Pound又诞生了，这次在Hunter的乐队里没有号手，这使得Hunter的吉他更加锋芒毕露。1998年的CD专辑“Return of the Candyman”在Stefon Harris的管风琴衬托下，显示了比以前专辑都要强烈的节奏感，推动着音乐进入一种不可预知的境界，增强了专辑的可听性。最具代表性的曲子是他们翻版Steve Miller的作品“Fly Like an Eagle”。

后来，Hunter不断的更换乐队成员。2000年，他以个人名义发行了专辑“Charlie Hunter”，再次证明了他惊人的演奏技巧，但他的技巧从来不是用来炫耀的，而是始终为他的音乐而服务。精湛的八弦技艺使Charlie Hunter这位世界唯一的集贝司手和吉他手于一身的年轻音乐家能成为音乐上的第八奇迹。

Paul Simon

保罗.西蒙1941年10月13日出生在纽约,并在慎那里长大。作为一名歌手和吉他手，他同伙伴阿特.加芬克尔(ART GARFUNKEL)的合作获得了世界性的成功.但随着1970年俩人的分道扬镖,保罗作为一名歌曲 作者的声望则更大了。在随后的个人 生涯中，保罗的作品并不多。 到1975年他共推出了4张专辑(其中一张是现场录音的),但是他对专辑中每一个细节 的注重程度却是在摇滚史上罕见的. 西蒙的第一张个人专辑-1971年由COLUMBIA公司推出的<<保罗.西蒙>>是一部很出色的"自白",仍散发出"西蒙与加芬克尔"时期的一些古怪想法。值得注意的是，西蒙浓度浓度尝试了多种形式的音乐，如雷吉乐:表现在歌曲<<母子团聚>>(MOTHER AND CHILD REUNION)中和极大众化的民谣<<昨日聚会,今朝分手>>(EVERYTHING PUT TOGETHER FALLS APART,这首歌的歌词同音乐很配)。 西蒙的这种尝试在他1973年的专辑<<这就是西蒙的韵律>>,(THERE GOESRHRMIN'SIMON)中得到了进一步的体现。他邀请了许多乐手参加录制，其中 包括演唱福间歌曲的乐队“南方蜂鸟“（THE DIXIE HUMINGBIRDS），他们在歌曲<<爱我 坚如磐石>>(LOVES ME LIKE A ROCK)中参加了伴奏。在1974年的现场演出中，西蒙还请来了一支名叫“乌鲁邦巴“(URUBAMBA)的秘鲁乐队,随后还推出了演出现场录音专辑<<现场韵律>>(LIVERHYMIN')。在COLUMBIA唱片公司的坚持下，西蒙推出了几首从他第一张专辑中选出的歌曲，其中<<校园中的我和胡利奥>>(ME ANDJULIO DOWN BY THE SCHOOLYARD)和<<母子团聚>>都进入了排行榜前30名。从第二张专辑中选出的单曲<<美国之声>>(AMERICAN TUNE)也十分成功,被<<滚石>>杂行选为当年最佳歌曲,因为它反映了水门事件之后美国人的心态。

在70年代，各方面要求西蒙同加芬克尔重新组合的压力很大。西蒙只得同加芬克尔合作录制了一首歌曲<<我的小城镇>>,(MY LITTLE TOWN),这首歌曲被收入了1975年俩人各自的专辑中.西蒙的专辑<<多年过后仍然疯狂>>,(STILL CRAZY AFTER ALL THESE YEARS)又推出了一些热门歌曲，包括同菲比.斯诺(PHOEBE SNOW)合作的重唱歌曲<<终于走了>>(GONE AT LAST)和一首美国排行榜榜首歌曲<<离开恋人的五十种方法>>(50 WAYS TO LEAVE YOUR LOVER)。

在此后5年里，西蒙没有出过一张专辑(不包括一张集锦),他把精力投入到电影方面。西蒙在伍迪.艾伦(WOODY ALLEN)的电影<<安妮大厅>>中担任了一个小角色，并且自己出资拍摄了影片<<鬼家伙>>,西蒙不仅给电影配曲,还自编自演。对电影的评价褒贬不一，但是随后推出的电影歌曲专辑却产生了一首很成功的作品<<那天晚上>>(LATE IN THE EVENING)。这首歌曲由WARNER唱片公司推出后，在1980年获得美国排行榜的第6名。 1981年，他同加芬克尔在中央公园进行了一场纪念性的演出。 1983年，WARNER BROTHERS唱片公司发行了西蒙的又一张专辑<<心和骨头>>(HEARTS AND BONES),在这张相当出色 的作品集中,收入了一首他向两位故去的歌星约翰.伦农(LENNON JOHN*)和翰尼.埃斯(ACE JOHNNY*)致敬的歌曲<<伟大的约翰尼.埃斯>>(THE LATE GREAT JOHNNY ACE).西蒙还在兰迪.纽曼(NEWMAN, RANDY*)的专辑<<天国中的烦恼>>(TROUBLE IN PARADISE)中同纽曼合作演唱了重唱歌曲<<布鲁斯>>(THE BLUES),这首歌曲后来发行了单曲唱片。

从1984年开始，西蒙开始到南非黑人居住区，同那里的黑人音乐家合作，最终录制出了<<幽雅田园>>(GRACELAND).<<幽雅田园>>是西蒙最能引起人们兴趣和商业上最成功的专辑之一,同时它也招来很多争议,尤其是美国种族隔离委员会对他的误解.这张专辑同他早期的混合了民谣、布鲁斯、节奏与布鲁斯以及加勒比地区的加骚音乐风格形成了强烈的反差，它是非常纯粹的非洲音乐。专辑中有几首令人难忘的曲目：<<消毒室中的孩子>>(THE BOY IN THE BUBBLE)、<<你可以叫我阿尔>>(YOU CAN CALL ME AL)和对埃尔维斯.普雷利(PRESLEY,ELVIS*)表达敬意的<<幽雅田园>>,该专辑使西蒙连续两次获得格莱美奖.随后,保罗.西蒙又把目光投向南美洲,出版了另一张融合了非洲和南美音乐风格 尤其是巴西音乐风格的专辑<<圣人的节奏>>(THE RHYTHM OF THE SAINTS,1990),这也是他的另一张获得多白金销量的唱片.1991年,西蒙在纽约中心公园举行了一场免费音乐会(10年前他曾与 加芬克尔举行过一次音乐会),并出版了一张这次音乐会的现场专辑。

Nico

高耸的颧骨、迷幻的低呤、疏离的歌声，带着一张从坟墓中爬出的苍白面容，这个神秘美丽的女人--Nico。出生于德国科隆，父亲死于纳粹集中营，从小与母亲、祖父一起生活在柏林附近的一个小镇上。妮可15岁的时候在去西班牙伊比沙岛时（这是她终身依恋的地方），一个摄影师送给她这个亲切的名字（这是摄影师刚分手的男朋友的名字） 在1959年，妮可第一次涉足影视，在费里尼执导的一部影片La Dolce Vita（甜蜜的生活）中扮演一个花瓶。之后她的照片、大幅海报陆续在各大报刊杂志出现。1960年她以时装模特的身份来到纽约，1962年在出演法国电影《Strip-Tease》中另一个花瓶时，以Juliette Gréco的名字录制了她第一首同名单曲，1964年在滚石乐队主音Brian Jones（布莱恩.琼斯，1969年死时27岁）的帮助下录制她的第一张唱片《I’m Not Sayin》，这张唱片由齐柏林飞船乐队吉它手Jimmy Page（吉米.佩吉）制作。在此期间，她的正式身份仍是模特，并与法国影星Alain Delon（阿兰.德隆）结婚生子，一个美丽忧郁的金发女人似乎就这样神秘地在公众面前出现，又神秘地隐退。 之后妮可来到巴黎遇到了Bob Dylan（鲍比.迪伦），从此她正式开始歌手生涯。鲍比.迪伦送给她一首歌《I’ll Keep It with Mine》并录制于她第一张正式独唱专辑《Chelsea girl》，本期选用该专辑中最动人的一首《Somewhere there’s a feather》。在鲍比.迪伦的介绍下，妮可认识了Andy Warhol（安迪.沃尔霍）和Paul Morrisey，并在Morrisey的早期实验艺术电影中扮演角色。 嬉皮风潮的始作俑者安迪.沃尔霍又是The Velvet Underground（地下丝绒）的经济人，在他积极的撮合下，妮可作为主音女歌手与Lou Reed（劳.里德）、John Cale（约翰.凯恩）一起谛造出地下丝绒不朽神话中最引人入胜的篇章！然而在“地下丝绒”的日子并不快乐，被指责为唱歌只会跑调的妮可最终被迫离开了乐队（此处隐去嫉妒、爱与恨交织的感情因素）。但妮可并没有停止唱歌和拍电影，也没有停止大量的饮酒和抽烟。 在1985年由约翰.凯恩制作发行了妮可最后一张专辑《Camera Obscura》，她以之纪念所以逝去的朋友，谁想三年之后她即注定将由别人去纪念。1988年7月18日，她在其热爱的伊比沙岛从自行车上摔了下来，当日下午8点在戛纳的一所医院因脑出血死亡，又说因她死前服用过量制幻剂所致。她活在阳光触及不到地方，她一生倦缩在自已营造的阴影中，享尽忧伤。 以上sosilent编译自nico的官方生平，但一个忧伤女人的内心世界又岂是短短几行字能描述的，聚光灯下凝固的冷峻面容，随着单调迷幻的声波轻轻抚过，一切那么温柔却又陌生，永远无法触及。她离开了所有人，认识的少数不认识的多数，并在那些怀旧的人眼中留下难以捉摸的泪滴，永恒地盘旋在眼眶，与睫毛共舞！nico的本名叫Christa P?ffgen。

歌女nico 题记:她死了,早死了,曾经的美丽,曾经的优雅永远都无可避免的成为命运诅咒的牺牲品,对于自己漂泊惨淡的一生,nico只用了一个词:chanteuse(歌女) discman里一张名为the velvet underground&nico的CD在缓慢而有规律的转动,Lou Reed在被埋没的杰出诗人delmore schwartz那里继承了发掘人类的精神途径。曾在伦敦先锋作曲中心学习的john cale拉起从不调弦的小提琴，使梦幻般的激情变得不近情理.而我却努力的在记忆里回味